« Je ne veux pas comprendre. C’est bon pour vous. Moi je suis là pour autre chose que pour comprendre. Je suis là pour vous dire non et pour mourir. »

Antigone, figure de la révolte et de la résistance, se dresse seule contre le pouvoir royal, et meurt pour avoir voulu donner une sépulture à son frère Polynice.
Personnage clé de la tragédie antique, elle apparaît chez Eschyle, Sophocle, Euripide, puis se retrouve au fil des siècles sous la plume de Rotrou, Racine, Cocteau, Brecht, Yourcenar… et bien sûr Anouilh, qui lui donne une résonance particulière dans le contexte de la seconde Guerre mondiale :
« L’Antigone de Sophocle, lue et relue et que je connaissais par cœur depuis toujours, a été un choc soudain pour moi pendant la guerre, le jour des petites affiches rouges. Je l’ai réécrite à ma façon, avec la résonance de la tragédie que nous étions alors en train de vivre».

La mise en scène de Véronique Gargiulo, sobre et épurée, tend à créer cet « espace vide » cher à Peter Brook pour mieux faire entendre le texte, dans sa force directe et sa puissance poétique.

Une ouvrière licenciée de Prodex, comprenant le licenciement inévitable de son mari de chez Sodecom, trouve dans son désespoir l’énergie folle d’organiser une rocambolesque supercherie…
Quiproquos, rebondissements, personnages hauts en couleur, Cassé est un vaudeville noir hilarant et impitoyable.

« Rémi De Vos est un des auteurs, si ce n’est l’auteur, qui a le plus travaillé la question du travail. Nous avons d’ailleurs assisté lors du festival d’Avignon 2019 à une rencontre sur cette thématique à l’occasion de laquelle plusieurs de ses pièces ont été lues. Nous réfléchissions alors déjà à un travail autour de l’œuvre de Rémi De Vos dans le traitement de sa thématique du travail. »
Anne-Sophie Pathé – codirectrice artistique de la compagnie

L’idée de créer un dyptique sur le travail autour des pièces Débrayage et Cassé de Rémi de Vos est née.

Débrayage est créé lors du festival Off d’Avignon 2022.
https://www.libredesprit.net/creations/debrayage/

« Ces problématiques me plongent dans mon passé personnel. La question du flux des réfugiés fait écho à mes origines, étant moi-même kosovar arrivé en France en 1991 alors que je ne parlais pas un mot de français… Mon emploi chez Citroën, où j’ai alors travaillé à la chaîne de jour comme de nuit, me rendent familières les usines qui ont déserté le Pas-de-Calais dans les années 90, laissant la population comme orpheline. Ma sensibilité propre à la question du travail et sa résonance permanente lorsque nous sommes en résidence à Gravelines ou Noeux-les-Mines au plus près des populations associées à la rencontre avec Rémi De Vos, qui a bien connu lui aussi la perversité des entreprises en enchaînant les petits boulots, et son œuvre autour de cette question m’ont conduit tout naturellement à un diptyque sur le travail autour des pièces Débrayage et Cassé. Ces deux pièces, dont le format diffère, sont complémentaires et permettent d’aborder en profondeur la complexité de cette problématique fondamentale. Dans les deux, on rencontre une galerie de personnages témoignant de l’universalité de la question. Les ravages du travail touchent tout le monde, avec des problématiques propres : jeunes, vieux, riches, pauvres… chômeurs mais aussi travailleurs… L’humour décapant de Rémi De Vos et son sens aiguisé de l’absurde permettent de prendre de la distance et de détacher de ses idées reçues pour ouvrir de nouvelles pistes de réflexion… »
Nikson Pitaqaj – metteur en scène des pièces Débrayage et Cassé

Cassé ouvre le débat sur les thématiques du travail, plutôt les ravages de la perte du travail. Si le travail peut être source d’épanouissement, il peut pareillement détruire individus et sociétés.
Suite aux déclarations récentes de la ministre déléguée à l’industrie, Agnès Pannier-Runacher qui associe l’industrie à la magie, les voix des ouvriers s’élèvent pour dénoncer les cadences infernales, la surveillance suspicieuse et infantilisante, les conséquences lourdes sur la santé physique et psychique et leur espérance de vie inférieure de six à sept ans à celle des cadres…
Cassé, son humour impitoyable, l’absurde des situations et la légèreté du jeu des comédiens, permet de prendre de la hauteur face à une réalité qui nous fait perdre nos repères jusqu’à notre dignité et alerte notre vigilance mieux que de longs discours.
Après de nombreux mois où la Culture, taxée de « non essentielle », a été mise à l’arrêt, il est urgent qu’elle reprenne sa place au cœur de la Cité pour s’emparer des préoccupations partagées ici et maintenant. Loin d’une image de la Culture inaccessible qui témoignerait du fossé creusé entre une élite et le quotidien de millions de travailleuses et travailleurs en France, la compagnie Libre d’Esprit, avec Cassé, fait le choix d’un théâtre populaire et exigeant qui interpelle tout en profondeur, humour et finesse sans tomber dans un manichéisme simpliste.

Deux Contes humoristiques, dramatiques et savoureux de Jean de La Fontaine sont mis en sens et en musique par deux artistes du premier mouvement baroque : Christine Bayle, actrice, et Marianne Muller, violiste, aiment la fantaisie des histoires d’amour de « La Matrone d’Ephèse » et de « la Courtisane amoureuse » où le suspens le dispute à l’humour.

Empruntant à Pétrone et à Boccace, La Fontaine les place sous la bannière du « jeune Amour », peut-être pour excuser les faiblesses humaines. Il y exerce son talent ironique à côté des musiques choisies en Europe, de Ste Colombe, Dubuisson, Marais, à Hume et Abel.

« Diversité c’est ma devise. » La Fontaine

*

Christine Bayle est danseuse, chorégraphe – elle a créé et dirigé L’Eclat des Muses et Cie Belles Dances et réalisé plus de cinquante productions –  on sait moins qu’elle est aussi actrice (Jeune Théâtre), passionnée par la belle danse, le théâtre, la musique, la recherche sur les différents styles de danse du XVIe au XVIIIe siècle autant que sur la pratique de l’opéra, et la transmission conjointe de ces différents arts. Enseignante au DMA du CRR de Strasbourg (1987-2013).

Témoin et actrice du renouveau baroque, Marianne Muller mène dans le monde entier, une carrière de concertiste. Elle crée l’Ensemble Spirale qui se consacre au répertoire soliste de la basse de viole. L’ensemble « Du souffle à L’archet » explore le répertoire des consorts songs. Ses goûts pour le théâtre, la musique contemporaine et la danse enrichissent encore son jeu. Professeur au CNSMD de Lyon (1988-2021). Sa discographie compte plus d’une cinquantaine de titres.‌

Le 29 décembre 1951, deux jeunes argentins entreprennent un voyage à travers l’Amerique latine sur une vieille Norton 500 « La Poderosa II ». Ernesto Guevara est un jeune étudiant en médecine de 23 ans, spécialisé en léprologie. Alberto est un biochimiste de 29 ans. Sur leur chemin, ils pénètrent les racines d’un passé invisible mais encore habité et rencontrent des êtres simples et bouleversants. La confrontation avec la réalité sociale et politique des pays visités et les rencontres qu’ils vont faire les amènent à prendre conscience de la réalité du monde et la misère dans laquelle vivent les populations. Cette expérience éveillera de nouvelles vocations…

Ce qui m’intéresse et me touche dans ce « Carnet », c’est l’universalité qui émane de cette œuvre. Il s’agit de vivre ce voyage avec cet homme, à cette période de sa vie. « Voyage à Motocyclette » est une expérience, une traversée qui change tout homme. D’une beauté poétique fulgurante, l’écriture est à la fois concrète et d’un réalisme au plus près de l’action et du ressenti émotionnel. Comme le dit l’auteur lui-même, il ne s’agit pas d’un récit mais « de fragments de vies parallèles ou entrecroisées ». Les mots respirent la vie et transpirent cette expérience du terrain, « l’expérience vécue ». L’œuvre se compose d’une narration, de paysages extraordinaires, de sentiments intimes, de rencontres, de bouillonnements d’êtres et de destins et de prise de conscience.

« Voyage à Motocyclette » nous fait pénétrer au cœur du continent Sud-Américain, dans le grand théâtre du monde. Universelle et intemporelle, l’œuvre s’inscrit à la fois dans le présent mais aussi dans le passé, celui des cités perdues, des civilisations oubliées, celui des peuples disparus qui aujourd’hui errent sur les routes, du peuple chassé et humilié : celui des indiens d’Amérique, d’un âge d’or, d’un monde aujourd’hui mort et elle nous renvoie ainsi à notre propre histoire : Comment comprendre le présent si tu ne connais pas ton passé ? Un peuple peut-il continuer d’exister sans ses racines ?

L’œuvre est subjective, nostalgique et mélancolique mais aussi portée vers l’avenir. Elle est une vision des enjeux et des conflits de demain et avec lucidité, l’auteur nous catapulte dans ce que sera l’Amérique du Sud : les grands bouleversements politiques (dictatures, conflits), économiques (injustices, exploitations), sociaux (inégalités, fractures), culturels (pertes d’identité et disparition de certaines communautés autochtones) et écologiques (exploitations des richesses naturelles, déforestations, pollution, extinctions de certaines espèces, sécheresse, etc.).

J’ai voulu porter cette « vie » et « faire ressentir cet élan », « ce bouillonnement d’êtres » sur la scène. Il s’agit de faire vivre au spectateur « l’expérience » de ce voyage, de faire exister ces rencontres et de faire ressentir les éléments physiques et naturels que les personnages vont traverser : donner à ressentir les conséquences des bouleversements, le poids du passé et le vide d’aujourd’hui pour arriver à plonger véritablement au cœur des destinées et de se laisser pénétrer par « l’Esprit » de cette Amérique en pleine mutation. La Nature est ici au cœur du voyage, elle jouera un rôle essentiel et va directement agir sur les personnages.

Il s’agit aussi d’entraîner le spectateur au cœur d’un destin, à l’intérieur d’une âme pour donner au spectateur l’expérience que vivra l’auteur : Celle de l’universalisme et de l’humanisme et cet invisible mouvement qui va faire d’un « homme ordinaire », un « combattant révolutionnaire ».

A fleur de peau, toujours à la limite, extrême, sur le fil sensible de la vie ce « Carnet » est au cœur d’une actualité sensible et explosive. Ce texte ouvre sur toutes les déchirures actuelles : Frontières, immigration, capitalisme, mondialisation, exploitation des richesses naturelles, misère, choc des cultures et des civilisations tout en nous donnant le recul essentiel, le froid sublime de ne pas être sous le flux de l’information et de la communication stérile d’un système.

Mais surtout ce « Carnet de Voyage » est un message d’amour, un cri de liberté, un appel à l’humanité, à l’idéalisme, au rêve de fraternité, cet idéal de jeunesse éternel, d’inconscience, de naïveté, de sagesse, d’un homme nouveau, d’un monde meilleur. Une quête pour un message d‘union, mais aussi de singularité, un voyage dans le présent mais aussi dans le temps à la rencontre de l’histoire, des racines de chaque peuple, loin de la mondialisation et du capitalisme, loin de la société de consommation. C’est la vision utopique d’un monde de partage véritable.

Il était essentiel de ne pas anticiper les événements et de préserver la naïveté et l’inconscience de ce Carnet pour nous amener a percevoir l’évolution d’une âme, d’un être, à travers les événements qu’il traversera jusqu’à cette invisible prise de conscience au fur et à mesure des rencontres, sur le fil, et qui va faire naître un homme nouveau… Le tournant dans le destin d’une vie.

Eté 1888, Strindberg et sa femme Siri von Essen, louent des chambres pour leurs vacances au Danemark dans un château appartenant à une comtesse. Celle-ci a confié la gestion du domaine à un jeune et beau bohémien. De cette simple anecdote va découler deux œuvres majeures de Strindberg : Mademoiselle Julie et Créanciers. En effet, c’est là, dans cette ambiance particulière que Strindberg va écrire Créanciers d’une traite, en seulement quinze jours. Un véritable thriller psychologique dans une écriture qu’il définira « d’automatique », quasiment sans y apporter de correction.

Fou de jalousie, en plein tourment amoureux, il est convaincu que sa femme le trompe avec ce bohémien. Il va alors régler ses comptes, extérioriser toute sa jalousie et sa souffrance dans le texte de cette pièce. Plus rien ne va dans son couple. C’est donc l’art qui devra le sauver ! Dans Créanciers, il est question d’une ronde amoureuse et destructrice entre trois êtres : deux hommes (Gustav et Adolph) et une femme (Tekla) au centre des deux. Le personnage féminin ne vibre que dans ses désirs, c’est ce qui la rend de loin la plus lumineuse des trois. Une « Marylin » qui connaîtra aussi son heure tragique à la fin.

Il s’agit bien de restituer au plus vif le rapport de force et de destruction que nous présente la pièce de Strindberg. Le centre, c’est cette lutte amoureuse menée par ces trois solitudes, chacun deviendra à tour de rôle le créancier de l’autre mais tous perdront finalement la partie. Tous trois pris au piège des rapports fusionnels où passion et haine seront les deux faces d’une même médaille.

Diptyque L’exception et la règle et La mort d’Empédocle.
Tarif spécial  32€ tarif plein / 27€ tarif réduit
Réservation

La vie et l’œuvre d’un poète ne se laissent limiter ni par l’espace ni par le temps, parce que leurs racines sont ailleurs. Elles ont bien pourtant, une genèse commune : elles se déroulent et se composent sur la terre et dans l’histoire, c’est-à-dire dans leur « actualité » et poursuivent leur existence dans les rapports qu’elles entretiennent avec leur « avenir »- avec le temps de ceux qu’elles interpellent au-delà de la mort.

Parce qu’il sait voir la réalité sous tous ses aspects – la réalité de son temps comme celle au-delà du temps- Hölderlin est allé jusqu’au bout de ses forces pour la saisir dans sa totalité, dans sa plénitude. Confondue avec la vie même, son expérience en a fait éclater les limites et, transmuée en œuvre, elle peut devenir nôtre si nous savons entendre enfin le dialogue de l’Homme et de l’œuvre.

Hölderlin André Alter – Édition Champ Vallon

Extraits de presse

« Bernard Sobel met en jeu, de main de maître, cette épopée philosophique de haut voltage. Sur la vaste scène vide, devant un mur de pierre troué de trois bouches d’ombre , la fable visionnaire se calligraphie en toute clarté, comme obéissant à un secret théorème de géométrie dans l’espace. Entrées et sorties se font souvent par la salle, option démocratique, car tout ici, dans la plus digne austérité formelle, sans aucune bassesse, s’attache avant tout au respect de la vision du poète, sa profonde nécessité et sa rhétorique profuse où se tressent déchirements et enfantements de monde en une sublime cristallisation. Le dire, la profération, soit le souffle d’un type particulier et la gestuelle qu’exige une telle partition, somme toute héroïque, caractérise l’interprétation générale »
Jean-Pierre Léonardini – L’Humanité (Lire plus)

« Bernard Sobel réunit un aréopage de comédiens de très haute vertu dans la salle en pierre du théâtre de l’Epée de Bois. Le jeu, le texte, le sens. Un geste épuré pour une partition exigeante. Sublime ! »
Catherine Robert – La Terrasse (Lire plus)

« Dans un espace vide sur lequel surgissent les comédiens venus de la salle, depuis le haut des gradins, scène dont les trois portes – voûtes arrondies de pierre – font apparaître la lave lumineuse de l’Etna en fusion, des couleurs rougeoyantes soutenues par la sonorisation des éruptions volcaniques, s’accomplit, préparée, l’atteinte à sa vie, choisie irréversiblement par le thaumaturge. Grand plaisir de théâtre où résonne la force poétique verbale – écho à la conscience existentielle. »
Véronique Hotte – Hottello (Lire plus)

« Ici, avec Sobel, chaque comédien est toujours à son exacte place, là où il doit être. C’est un poème tragique : pas de mouvements, ni de gestes inutiles qui distrairaient notre écoute. Résultat : tous les comédiens, y compris les jeunes élèves de la Thélème Théâtre École (que dirige Julie Brochen), sont formidables. C’est un travail de troupe. Et puis, l’épure est toujours signe de beauté. »
Chantal Boiron – Ubu Apite (Lire plus)

Sur une chaise, habillé de son ancien costard, nous rencontrons Valmont, un ex-employé promu manager au moment où son entreprise se lance dans une vaste opération de réduction de personnel. Cette opération ne prévoyait pas de licenciements, mais préconisait plutôt un encouragement au départ par l’organisation d’une campagne de harcèlement moral à grande échelle à l’encontre des salariés supprimables. Valmont a été l’un des managers de l’entreprise chargés par la direction des ressources humaines d’exécuter cette campagne de harcèlement dans le cadre de son équipe.

Valmont, sur sa chaise, s’adresse à une avocate. Il aurait découpé une femme en morceaux, et il revient sur les quelques semaines où il a été chef d’équipe et qui ont précédé ce crime.

Son récit nous plonge dans la folie managériale d’un monde du travail en entreprise où tout paraît possible et, dans cet univers presque fantastique où l’humain n’entrave jamais les rêves les plus fous des aventures économiques, Valmont, le petit chef inspiré, l’admirateur d’Alexandre le Grand – guide de sa vie – finit par perdre pied, et nous avec lui.

Le procès France Télécom en 2019 – qui s’est soldé par une condamnation purement symbolique – est sans doute l’un des événements déclencheurs de l’écriture de Babylone. L’autre a été le harcèlement moral subi par une personne de notre entourage chez un prestataire de Renault, advenu au moment même où se tenait ce procès.

Avec Babylone, nous n’avons pas souhaité incarner une victime directe de ce harcèlement institué, ni un bourreau complètement cynique des ressources humaines. Nous avons voulu imaginer un petit manager, rouage essentiel de la machine, bourreau (car ce mot lui correspond mieux qu’au PDG ou au responsable RH) mais victime aussi, d’une certaine manière et à son insu, de cette machine. L’engrenage des événements qui articulent son récit tournera forcément au cauchemar ; à aucun moment pourtant ce petit manager ne renoncera à la logique implacable de son discours – performatif de par la nature même de son métier – car, comme il le dit lui-même, il tient par-dessus tout à ce qu’on comprenne qu’il est, avant toute chose, un homme « raisonnable ».

***
Extraits de  l’article de Nicolas Thevenot dans le site Un fauteuil pour l’orchestre, lien ici

« Babylone nous apparait comme une toile du Caravage, Maurici Macian-Colet en est l’ange déchu. Comme chez le célèbre peintre, la foi, le miracle ou la chute, ont leur poids de chair, leur lot de regards aux abois. Le tragique est stupéfait du passage de l’instant.
Clair-obscur de notre époque. Maurici Macian-Colet écrit sa pièce furieuse et folle en partant d’une matière bien réelle : les stratégies de harcèlement que certaines entreprises, sanctionnées depuis par la justice, échafaudèrent pour pousser au départ une partie de leurs employés sans avoir à les licencier, générant des vagues de suicides sans précédent. »
« Par cette magistrale réécriture d’un phénomène social, par ce dépaysement de la langue du crime vers une autre langue, classique et luxuriante à la fois, fécondée par les poètes qui l’ont précédé, Babylone, mis en scène efficacement par Max Millet et interprété avec virtuosité par Maurici Macian-Colet porte le fer dans le fondement même du monde de l’entreprise : dans l’ordre de son discours ! »

Voyage aux sources de la création

Le jeune Kappus, artiste en herbe et cadet à l’école militaire, s’interroge sur la direction à donner à sa vie. Pour l’aider à choisir, il décide de consulter le déjà grand poète et penseur de son temps : Rilke… qui n’a pourtant que 28 ans. Celui-ci enverra dix lettres en cinq ans depuis Paris, la Suède, l’Italie, l’Allemagne…
Leur retentissement n’a fait que s’accroître depuis, jusqu’à devenir « culte » aujourd’hui. Dix lettres. Dix petits traités de philosophie pratique. Dix méditations sur l’amour, la solitude, la création, l’existence… Véritable manuel de vie, accessible à tous, chacun pourra y trouver un terreau riche pour fertiliser sa pensée, une lumière pour l’éclairer.
Ces lettres universelles nous sont présentées de manière inédite sous la forme des échanges joués et donc incarnés entre un mentor et son élève ; elles nous embarquent pour un voyage initiatique à travers l’Europe… à moins que cela ne soit un voyage au plus profond de nous-même…

Succès Festival Off Avignon 2023

Extraits publications presse

« Dans une interprétation remarquable de Frédéric Schmitt, nous sommes les témoins de ces échanges, des interrogations et des doutes… Ce voyage intérieur dans le temps et l’espace, constitué de délicats moments de partage et d’humanité, est à savourer sans modération.» (lire la suite) SurLesPlanches

« Une présence magnétique sur scène. Le comédien a fortement impressionné le public du théâtre par son interprétation juste et pleine de finesse. Une leçon de poésie qui apprend la vie et donne à réfléchir.» Dauphiné Libéré

« Le metteur en scène et le comédien ont opté pour un judicieux mode opératoire consistant en la personnification des deux correspondants, tels des interlocuteurs intervenant dans un vrai-faux dialogue, pour présenter des extraits significatifs de ces lettres. Il en résulte une excellente partition.» (lire la suite) Froggy’s Delight

« Un très beau spectacle dans lequel le comédien, avec son talent et sa présence sur scène, aidé par une mise en scène très fine, fait passer des messages existentiels puissants.» Vaucluse Matin

« Frédéric Schmitt nous ouvre les portes du poète Rainer-Maria Rilke en incarnant parfaitement ses personnages et en jonglant avec brio avec leurs facettes. Un remarquable voyage poétique.» Théâtre Sans Frontière

Lettre d’une inconnue est un monument de la littérature mondiale.

Une femme écrit passionnément à un homme qu’elle a aimé, qu’elle aime encore. Elle se livre corps et âme et révèle ses sentiments les plus profonds. Lui, dans cette relation épistolaire, n’existe presque pas. Il est le destinataire et semble avoir oublié. C’est un cri d’amour qui n’a comme écho que l’indifférence, au mieux, une forme de politesse très éloignée de l’attente, mêlée de désir, de la jeune femme.

Lettre d’une inconnue est une œuvre émouvante qui met en jeu notre rapport à l’amour, à la fidélité, à la passion amoureuse.

C’est un texte qui interroge l’intimité de chacun et nous confronte au souvenir de l’être aimé. C’est une déclaration d’amour à l’Amour avec son lot de non-dits, de souffrance.

C’est une tentative effrénée et vaine d’être «reconnue». C’est un appel, un secret qui est libéré. La confidence a valeur de refuge, de réparation. Elle se heurte pourtant à l’éloignement dans le temps et l’espace. Elle est comme une ultime tentative d’une complicité amoureuse qui ne trouvera sa résolution que dans l’effacement de l’autre et peut-être la mort.

Cet aveu, par l’encre couchée sur le papier, est comme une autopsie de la passion. Un enfant est en jeu dans cette relation amoureuse et incertaine qui a eu lieu.

Cet enfant n’est plus. On ignore les détails de cette disparition mais la douleur de cette inconnue, (dont on ignore le nom et l’âge), n’en est que plus violente et la perspective de sa propre mort est en jeu.

Cette confession pourra t-elle ré-enchanter le cœur de l’homme aimé ou bien trouvera t-elle son issue dans la fin brutale et tragique de celle qui aime ?

Zweig, par ce texte, touche au cœur. Il flirte avec l’indicible et dit pourtant les mots les plus beaux du monde. Il ébranle par la dureté de cette parole révélée et permet aussi de faire le deuil de cet amour mort-né.

Amour impossible. Amour fantasmé.

L’histoire est librement inspirée de la rencontre de la jeune Florence Loeb, fille du galeriste Pierre Loeb avec le poète Antonin Artaud après ses neuf années d’internement.

La mise en scène est comme le point de départ d’une création qui puise sa force dans le direct, nourrie de poésie, de mots, d’images, de sons, qui touchent à la façon d’électrochocs. Le spectateur est immergé dans un univers d’expérimentation poétique à la manière d’un rêve qui se vit sans fin, un monde où la folie éclate un temps donné, celui de la représentation.

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Extraits de presse

Ewa Kraska a construit une mise en scène au diapason de la puissance conjuguée du texte et de ses interprètes. Les deux comédiens sont redoutables pour porter haut et fort cette pensée douloureuse. Incontournable.
www.toutelaculture.com

Pénétré par le poète visionnaire, William Mesguich délivre le texte au vitriol de Patrice Trigano avec une telle vérité que l’on se dit qu’Artaud a trouvé là son double. Il y a là à coup sûr, un brûlot paroxysmique, une violence révolutionnaire salutaire de nature à secouer les indifférences.
www.larevueduspectacle.com

Une pièce qui nous sort de notre zone de confort, une pièce qui dérange, et qu’il faut voir.
www.classiqueenprovence.fr

Une pièce singulière et captivante, finement écrite, habilement mise en vie et magistralement jouée. Un moment illuminé et intelligent, à l’audace nécessaire.
www.spectactif.com

La mise en scène signée Ewa Kraska est formidable de puissance évocatrice : dans l’écrin sublime de la salle du Roi, les projections lumineuses qui envahissent l’espace au son d’une musique électronique nous transportent dans un univers onirique à la fois glaçant et sublime, énigmatique et saisissant.                                                                            https://theatreactu.com