Diptyque L’exception et la règle et La mort d’Empédocle.
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Réservation

La vie et l’œuvre d’un poète ne se laissent limiter ni par l’espace ni par le temps, parce que leurs racines sont ailleurs. Elles ont bien pourtant, une genèse commune : elles se déroulent et se composent sur la terre et dans l’histoire, c’est-à-dire dans leur « actualité » et poursuivent leur existence dans les rapports qu’elles entretiennent avec leur « avenir »- avec le temps de ceux qu’elles interpellent au-delà de la mort.

Parce qu’il sait voir la réalité sous tous ses aspects – la réalité de son temps comme celle au-delà du temps- Hölderlin est allé jusqu’au bout de ses forces pour la saisir dans sa totalité, dans sa plénitude. Confondue avec la vie même, son expérience en a fait éclater les limites et, transmuée en œuvre, elle peut devenir nôtre si nous savons entendre enfin le dialogue de l’Homme et de l’œuvre.

Hölderlin André Alter – Édition Champ Vallon

Extraits de presse

« Bernard Sobel met en jeu, de main de maître, cette épopée philosophique de haut voltage. Sur la vaste scène vide, devant un mur de pierre troué de trois bouches d’ombre , la fable visionnaire se calligraphie en toute clarté, comme obéissant à un secret théorème de géométrie dans l’espace. Entrées et sorties se font souvent par la salle, option démocratique, car tout ici, dans la plus digne austérité formelle, sans aucune bassesse, s’attache avant tout au respect de la vision du poète, sa profonde nécessité et sa rhétorique profuse où se tressent déchirements et enfantements de monde en une sublime cristallisation. Le dire, la profération, soit le souffle d’un type particulier et la gestuelle qu’exige une telle partition, somme toute héroïque, caractérise l’interprétation générale »
Jean-Pierre Léonardini – L’Humanité (Lire plus)

« Bernard Sobel réunit un aréopage de comédiens de très haute vertu dans la salle en pierre du théâtre de l’Epée de Bois. Le jeu, le texte, le sens. Un geste épuré pour une partition exigeante. Sublime ! »
Catherine Robert – La Terrasse (Lire plus)

« Dans un espace vide sur lequel surgissent les comédiens venus de la salle, depuis le haut des gradins, scène dont les trois portes – voûtes arrondies de pierre – font apparaître la lave lumineuse de l’Etna en fusion, des couleurs rougeoyantes soutenues par la sonorisation des éruptions volcaniques, s’accomplit, préparée, l’atteinte à sa vie, choisie irréversiblement par le thaumaturge. Grand plaisir de théâtre où résonne la force poétique verbale – écho à la conscience existentielle. »
Véronique Hotte – Hottello (Lire plus)

« Ici, avec Sobel, chaque comédien est toujours à son exacte place, là où il doit être. C’est un poème tragique : pas de mouvements, ni de gestes inutiles qui distrairaient notre écoute. Résultat : tous les comédiens, y compris les jeunes élèves de la Thélème Théâtre École (que dirige Julie Brochen), sont formidables. C’est un travail de troupe. Et puis, l’épure est toujours signe de beauté. »
Chantal Boiron – Ubu Apite (Lire plus)

Sur une chaise, habillé de son ancien costard, nous rencontrons Valmont, un ex-employé promu manager au moment où son entreprise se lance dans une vaste opération de réduction de personnel. Cette opération ne prévoyait pas de licenciements, mais préconisait plutôt un encouragement au départ par l’organisation d’une campagne de harcèlement moral à grande échelle à l’encontre des salariés supprimables. Valmont a été l’un des managers de l’entreprise chargés par la direction des ressources humaines d’exécuter cette campagne de harcèlement dans le cadre de son équipe.

Valmont, sur sa chaise, s’adresse à une avocate. Il aurait découpé une femme en morceaux, et il revient sur les quelques semaines où il a été chef d’équipe et qui ont précédé ce crime.

Son récit nous plonge dans la folie managériale d’un monde du travail en entreprise où tout paraît possible et, dans cet univers presque fantastique où l’humain n’entrave jamais les rêves les plus fous des aventures économiques, Valmont, le petit chef inspiré, l’admirateur d’Alexandre le Grand – guide de sa vie – finit par perdre pied, et nous avec lui.

Le procès France Télécom en 2019 – qui s’est soldé par une condamnation purement symbolique – est sans doute l’un des événements déclencheurs de l’écriture de Babylone. L’autre a été le harcèlement moral subi par une personne de notre entourage chez un prestataire de Renault, advenu au moment même où se tenait ce procès.

Avec Babylone, nous n’avons pas souhaité incarner une victime directe de ce harcèlement institué, ni un bourreau complètement cynique des ressources humaines. Nous avons voulu imaginer un petit manager, rouage essentiel de la machine, bourreau (car ce mot lui correspond mieux qu’au PDG ou au responsable RH) mais victime aussi, d’une certaine manière et à son insu, de cette machine. L’engrenage des événements qui articulent son récit tournera forcément au cauchemar ; à aucun moment pourtant ce petit manager ne renoncera à la logique implacable de son discours – performatif de par la nature même de son métier – car, comme il le dit lui-même, il tient par-dessus tout à ce qu’on comprenne qu’il est, avant toute chose, un homme « raisonnable ».

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Extraits de  l’article de Nicolas Thevenot dans le site Un fauteuil pour l’orchestre, lien ici

« Babylone nous apparait comme une toile du Caravage, Maurici Macian-Colet en est l’ange déchu. Comme chez le célèbre peintre, la foi, le miracle ou la chute, ont leur poids de chair, leur lot de regards aux abois. Le tragique est stupéfait du passage de l’instant.
Clair-obscur de notre époque. Maurici Macian-Colet écrit sa pièce furieuse et folle en partant d’une matière bien réelle : les stratégies de harcèlement que certaines entreprises, sanctionnées depuis par la justice, échafaudèrent pour pousser au départ une partie de leurs employés sans avoir à les licencier, générant des vagues de suicides sans précédent. »
« Par cette magistrale réécriture d’un phénomène social, par ce dépaysement de la langue du crime vers une autre langue, classique et luxuriante à la fois, fécondée par les poètes qui l’ont précédé, Babylone, mis en scène efficacement par Max Millet et interprété avec virtuosité par Maurici Macian-Colet porte le fer dans le fondement même du monde de l’entreprise : dans l’ordre de son discours ! »

Voyage aux sources de la création

Le jeune Kappus, artiste en herbe et cadet à l’école militaire, s’interroge sur la direction à donner à sa vie. Pour l’aider à choisir, il décide de consulter le déjà grand poète et penseur de son temps : Rilke… qui n’a pourtant que 28 ans. Celui-ci enverra dix lettres en cinq ans depuis Paris, la Suède, l’Italie, l’Allemagne…
Leur retentissement n’a fait que s’accroître depuis, jusqu’à devenir « culte » aujourd’hui. Dix lettres. Dix petits traités de philosophie pratique. Dix méditations sur l’amour, la solitude, la création, l’existence… Véritable manuel de vie, accessible à tous, chacun pourra y trouver un terreau riche pour fertiliser sa pensée, une lumière pour l’éclairer.
Ces lettres universelles nous sont présentées de manière inédite sous la forme des échanges joués et donc incarnés entre un mentor et son élève ; elles nous embarquent pour un voyage initiatique à travers l’Europe… à moins que cela ne soit un voyage au plus profond de nous-même…

Succès Festival Off Avignon 2023

Extraits publications presse

« Dans une interprétation remarquable de Frédéric Schmitt, nous sommes les témoins de ces échanges, des interrogations et des doutes… Ce voyage intérieur dans le temps et l’espace, constitué de délicats moments de partage et d’humanité, est à savourer sans modération.» (lire la suite) SurLesPlanches

« Une présence magnétique sur scène. Le comédien a fortement impressionné le public du théâtre par son interprétation juste et pleine de finesse. Une leçon de poésie qui apprend la vie et donne à réfléchir.» Dauphiné Libéré

« Le metteur en scène et le comédien ont opté pour un judicieux mode opératoire consistant en la personnification des deux correspondants, tels des interlocuteurs intervenant dans un vrai-faux dialogue, pour présenter des extraits significatifs de ces lettres. Il en résulte une excellente partition.» (lire la suite) Froggy’s Delight

« Un très beau spectacle dans lequel le comédien, avec son talent et sa présence sur scène, aidé par une mise en scène très fine, fait passer des messages existentiels puissants.» Vaucluse Matin

« Frédéric Schmitt nous ouvre les portes du poète Rainer-Maria Rilke en incarnant parfaitement ses personnages et en jonglant avec brio avec leurs facettes. Un remarquable voyage poétique.» Théâtre Sans Frontière

Lettre d’une inconnue est un monument de la littérature mondiale.

Une femme écrit passionnément à un homme qu’elle a aimé, qu’elle aime encore. Elle se livre corps et âme et révèle ses sentiments les plus profonds. Lui, dans cette relation épistolaire, n’existe presque pas. Il est le destinataire et semble avoir oublié. C’est un cri d’amour qui n’a comme écho que l’indifférence, au mieux, une forme de politesse très éloignée de l’attente, mêlée de désir, de la jeune femme.

Lettre d’une inconnue est une œuvre émouvante qui met en jeu notre rapport à l’amour, à la fidélité, à la passion amoureuse.

C’est un texte qui interroge l’intimité de chacun et nous confronte au souvenir de l’être aimé. C’est une déclaration d’amour à l’Amour avec son lot de non-dits, de souffrance.

C’est une tentative effrénée et vaine d’être «reconnue». C’est un appel, un secret qui est libéré. La confidence a valeur de refuge, de réparation. Elle se heurte pourtant à l’éloignement dans le temps et l’espace. Elle est comme une ultime tentative d’une complicité amoureuse qui ne trouvera sa résolution que dans l’effacement de l’autre et peut-être la mort.

Cet aveu, par l’encre couchée sur le papier, est comme une autopsie de la passion. Un enfant est en jeu dans cette relation amoureuse et incertaine qui a eu lieu.

Cet enfant n’est plus. On ignore les détails de cette disparition mais la douleur de cette inconnue, (dont on ignore le nom et l’âge), n’en est que plus violente et la perspective de sa propre mort est en jeu.

Cette confession pourra t-elle ré-enchanter le cœur de l’homme aimé ou bien trouvera t-elle son issue dans la fin brutale et tragique de celle qui aime ?

Zweig, par ce texte, touche au cœur. Il flirte avec l’indicible et dit pourtant les mots les plus beaux du monde. Il ébranle par la dureté de cette parole révélée et permet aussi de faire le deuil de cet amour mort-né.

Amour impossible. Amour fantasmé.

L’histoire est librement inspirée de la rencontre de la jeune Florence Loeb, fille du galeriste Pierre Loeb avec le poète Antonin Artaud après ses neuf années d’internement.

La mise en scène est comme le point de départ d’une création qui puise sa force dans le direct, nourrie de poésie, de mots, d’images, de sons, qui touchent à la façon d’électrochocs. Le spectateur est immergé dans un univers d’expérimentation poétique à la manière d’un rêve qui se vit sans fin, un monde où la folie éclate un temps donné, celui de la représentation.

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Extraits de presse

Ewa Kraska a construit une mise en scène au diapason de la puissance conjuguée du texte et de ses interprètes. Les deux comédiens sont redoutables pour porter haut et fort cette pensée douloureuse. Incontournable.
www.toutelaculture.com

Pénétré par le poète visionnaire, William Mesguich délivre le texte au vitriol de Patrice Trigano avec une telle vérité que l’on se dit qu’Artaud a trouvé là son double. Il y a là à coup sûr, un brûlot paroxysmique, une violence révolutionnaire salutaire de nature à secouer les indifférences.
www.larevueduspectacle.com

Une pièce qui nous sort de notre zone de confort, une pièce qui dérange, et qu’il faut voir.
www.classiqueenprovence.fr

Une pièce singulière et captivante, finement écrite, habilement mise en vie et magistralement jouée. Un moment illuminé et intelligent, à l’audace nécessaire.
www.spectactif.com

La mise en scène signée Ewa Kraska est formidable de puissance évocatrice : dans l’écrin sublime de la salle du Roi, les projections lumineuses qui envahissent l’espace au son d’une musique électronique nous transportent dans un univers onirique à la fois glaçant et sublime, énigmatique et saisissant.                                                                            https://theatreactu.com

Brecht et Weill nous plongent dans les bas-fonds de Londres, où tous les coups sont permis par-delà toute morale, par-delà bien et mal. Les personnages sont immoraux, pourtant on les envie. Sans foi ni loi – en tout cas, en apparence – ils nous happent, nous attrapent, nous fascinent. On devrait avoir pitié mais on devient cruels. Irrésistiblement attirés par le mal, vivant en toute impunité, refusant le bien-pensant et le politiquement correct, on savoure sans honte. Parce que finalement, qu’est-ce qu’on a à craindre ? C’est de la fiction. C’est l’opéra. C’est le théâtre. C’est « irréel », dit Brecht.

Résistance(s) conte l’histoire de deux jeunes filles – une allemande et une française – confrontées à la dictature nazie. Sophie Scholl milite secrètement à Munich au sein du mouvement «La Rose Blanche» fondé par son frère et un de ses amis étudiants. En Picardie, la jeune Française, fille de cheminot qui participe aux sabotages organisés contre l’occupant, cache une amie juive. Nous sommes en 1943. Sophie s’apprête à prendre un train pour aller distribuer ses tracts politiques à Stuttgart. Très loin de chez elle, à l’Est, l’autre jeune fille sort d’un train. Elle a désormais un numéro sur le bras.

Un mot les réunit : résistance.

Nous avons eu envie de faire redécouvrir une œuvre du patrimoine français ignorée depuis quatre siècles, en l’adaptant pour contourner les écueils qui ont mené à l’enterrer si longtemps. Pour cela, nous avons réuni une distribution d’actrices et d’acteurs passionnés : elle couvre trois générations d’acteurs et de musiciens, de 16 à 80 ans. Aussi le texte a-t-il été légèrement allégé, près de 600 vers ont été retranchés pour ne conserver que l’aspect relationnel entre les personnages, débarrassé des références politiques obsolètes qui prétendaient inscrire cette pièce au registre du théâtre héroïque d’un Corneille.
Dom Garcie de Navarre est donc bien une comédie, et pleinement moliéresque.

Les flûtiste et luthiste, instrumentistes de premier ordre, spécialisés dans le répertoire baroque, exhument eux aussi des œuvres injustement oubliées : Hotteterre, Gaspar Sanz, Pancrace Royer …
Mais nous entendons jouer d’abord un spectacle drôle et populaire, musical, un vaudeville de haute tenue littéraire, une haute-comédie vibrante en alexandrins !

Antonio Diaz-Florian, le théâtre de l’Epée de Bois nous en a donné l’occasion, nous l’en remercions et la saisissons.