Petra, une bouchère abandonnée, vit avec Luca, sa petite amie comédienne, et Estela, sa fille anarchiste. Unies, elles affrontent l’irruption d’un père cosmonaute perdu dans le temps et d’un militaire qui a égaré son armée, au cœur d’un drame délirant qui orbite autour de la mort du père.

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La Mort du Père explore les fissures générationnelles et affectives de notre temps à partir de la rencontre impossible entre un père et une fille qui ne se reconnaissent pas. Un cosmonaute mourant — héritier des grandes utopies du XX^e siècle — se confronte à Petra, qui habite la matérialité radicale du présent.
Entre eux s’ouvre une distance irréconciliable : de langages, de corps et de mémoire. L’œuvre situe le lien intime comme champ de conflit, où nommer le père devient impossible.
Elle propose ainsi une confrontation entre générations non comme réconciliation, mais comme une tension qui, dans son silence, ouvre la possibilité d’imaginer une autre forme de communauté.

« … La proposition dramaturgique et scénique cherche à réactiver le langage des liens intimes comme champ de bataille idéologique, où la pensée devient corps, affect et conflit. »

Hermanos Ibarra Roa

Face à l’horreur, une femme se tient droite, refuse les larmes et la  soumission. Seule face au fracas du monde et à la folie destructrice  des hommes, elle accuse. Sa parole devient une arme tranchante et  viscérale; un blasphème sacré qui arrache la paix au silence des  tombes.

Écrit en 1999 par le poète et dramaturge Jean-Pierre Siméon, Stabat  Mater Furiosa est un poème dramatique d’une puissance rare, un  monologue théâtral qui s’érige comme l’un des réquisitoires les plus  violents et les plus beaux de la littérature contemporaine contre la  guerre.
Là où le mythe traditionnel impose la figure d’une femme  passive, écrasée par la douleur, Jean-Pierre Siméon opère un  changement radical : sa mater n’est pas douloureuse, elle est furieuse. Seule, face au fracas invisible d’une guerre sans nom et  sans époque, une femme se tient droite. Autour d’elle-même, la folie destructrice des hommes. Devant elle, “l’homme de la guerre“,  cette figure universelle qui détruit, viole et pille au nom d’idéologies abstraites.
Refusant le rôle de victime sacrificielle  qu’on veut lui assigner, elle refuse de pleurer. Ses larmes se  transforment en une parole de feu, une invective charnelle et  viscérale. Elle accuse, elle dissèque la bêtise de la violence. Sa  parole devient une arme poétique de destruction massive capable de  fissurer la certitude des bourreaux. “Je reste debout dans le vent noir  de vos haines“.
La langue de Jean-Pierre Siméon est à la fois brute  et hautement lyrique. Plus qu’une simple pièce de théâtre, Stabat  Mater Furiosa est un texte qui arrache de force l’espoir au silence  des tombes. Il célèbre la vie et l’espoir avec une fureur  incandescente.

Phèdre a une personnalité tellement puissante et forte que beaucoup de metteurs en scène confient le rôle à des femmes d’âge mûr, en oubliant que le fils de la petite sœur d’Ariane est si jeune qu’il n’est jamais nommé… La Phèdre de Racine n’a pas l’âge de Thésée mais celui d’Hippolyte, et, comme lui, elle est avant tout lumière (le sens du mot Phèdre en grec), pudeur et pureté. Ce n’est pas parce qu’il est plus jeune (ou parce qu’il est son beau-fils) que le tragique intervient mais parce que Phèdre croit Hippolyte «insensible», c’est-à-dire complètement étranger à tout ce qui procède du corps et de l’amour, puis parce que l’Amour est aveugle, et qu’il n’unit pas les deux que tout devrait rapprocher. Phèdre et Hippolyte brûlent en effet ensemble de contradictions qu’ils n’arrivent pas à maîtriser et se battent ensemble pour concilier ce mélange, propre à la grande jeunesse, d’énergie et de fragilité, d’absolu et d’intransigeance, de pureté et de complexité, de violence et de passion.
La pièce perd beaucoup si on oublie cela et on ne comprend pas pourquoi l’ultime mot de Phèdre est « pureté »… Ce mot-clef est le fil directeur de notre mise en scène, d’autant qu’aucun des personnages de la pièce n’est médiocre ou en demi-teinte.
Ils sont tous entiers et inaptes au compromis. Ce qui les amène à s’opposer plus ou moins radicalement, et au travers-même de ces variations et oppositions, de justement développer une réflexion originale sur la notion d’Absolu. Cela n’étonne pas quand on rappelle que Racine n’a jamais cessé de faire sa cour à Louis XIV, et à punir de mort ses personnages (Phèdre, Hippolyte ou Œnone) qui ne vivent pas l’Absolu à la manière de ce monarque, c’est à dire dans les limites de ce qu’on doit à sa gloire.

Pierre Deusy

Un spectacle sur la relation de Victor Hugo avec l’Espagne, les femmes, la poésie, le voyage et l’exil. À partir des textes, lettres et déclarations choisis du célèbre écrivain.

Slamenko vous propose un voyage musical et poétique, dans le XIX^ème siècle, de Guernesey à Madrid, de Pepita à Juliette, du pays basque à l’Andalousie, du fandango aux sévillanes.