Espagne 1936/1939: c’est la guerre, le combat, l’exil, les camps de réfugié-e-s en France, l’engagement dans la résistance en 1940. Récit, poésie, danse, musique, chant, images projetées sont au rendez-vous dans la « Baraque de la culture », lieu intemporel, improvisé à l’intérieur du camp. Un spectacle pour le public incluant celui des collèges et lycées.

LA PRESSE EN PARLE

« Un cri qui appelle la mémoire de l’homme (…) Odile Michel, s’appuyant souvent sur des textes inspirés de périodes troublantes de l’histoire, nous convie, cette fois en Espagne, pendant la guerre. Ce spectacle a réuni des artistes de grand talent et suscité une grande émotion (…). »
Michel Grisey, Le Midi Libre

« (…) Un subtil assemblage de poèmes, de témoignages, d’images, de musiques et de chants. Un spectacle tout en noir et blanc, mis en scène par Odile Michel. Une présentation poignante. Le tout ponctué par des lettres qui une fois lues tombent des mains des comédiens comme des feuilles mortes. ”No Pasaran” est devenu le cri de tous les antifascistes du monde, “Pour ne pas oublier ”, raconter cette période sombre de l’histoire d’Espagne qui, à nos portes, trouve aujourd’hui encore bien des échos. Ce spectacle est le fruit de recherches approfondies et de réflexions (…). »
Marcelle Dissac, Dauphiné/Vaucluse

« (…) c’est avec la poésie de combat, les témoignages, les documents projetées sur écran, des musiques et des chants, qu’Odile Michel a fait partager avec sensibilité et sans misérabilisme, les fragments de cette vie d’exode et d’enfermement: L’histoire d’une guerre qui résonne encore aujourd’hui avec tellement d’actualité. »
Jacqueline Armand, La Provence

« Quand la poésie réveille les souffrances endormies de tous les déracinés de la terre. Avec “Paroles d’Exil” (…) entrecoupé d’images d’archives sur la fuite du peuple espagnol hors d’ un pays en proie à la folie fasciste, Odile Michel transporte le spectateur dans cet épisode tragique de l’histoire. Les déclamations sobres et profondes des poésies dépassent la contingence des lieux où ils ont pris naissance. Ce spectacle met en scène avec beaucoup de chaleur la portée universelle de la souffrance de tout un peuple. Comme des appels venus de loin, les sentiments exprimés ressemblent à nos peurs nomades endormies avec lesquelles, il y a longtemps, il nous a bien fallu survivre avec dignité. La poésie évoque la force suscitée par ces retrouvailles archaïques gravées au plus profond du désespoir entre “Les larmes et le Salut ». Un entre deux par lequel ” face à la mer des vents, pour être vivants à jamais, soyons d’éternels mourants”… »
Michel Ban, La Marseillaise

« (…) particulièrement émouvant et fort. On est plongé dans la lutte contre le fascisme où brillait l’espoir ”No Pasaran”, “La cause de toute humanité éprise de progrès ».(…)  »
M.H Loubatie, Grand Avignon

Silvia craint d’épouser sans le connaître Dorante, le jeune homme que son père, Monsieur Orgon, lui destine. Elle décide alors d’échanger les rôles avec sa femme de chambre, Lisette, en espérant ainsi mieux observer son prétendant. Mais Dorante a eu la même idée : il se présente chez Monsieur Orgon déguisé en serviteur, nommé Bourguignon, tandis que son valet, Arlequin, se fait passer pour lui. Seuls Monsieur Orgon et son fils, Mario, sont informés du travestissement des jeunes gens. Ils choisissent de laisser libre cours au « jeu de l’amour et du hasard » et d’en savourer le spectacle… tout comme nous. Une pure comédie !

Marivaux bouscule l’ordre établi et trouble les préjugés, en inversant les rapports maîtres/valets. Bien sûr, cela donne lieu à des situations délicieusement décalées, à des complications et quiproquos, à des dialogues étincelants. Ce sont les femmes, avec les serviteurs, qui tirent le mieux leur épingle du jeu… de l’amour et du hasard.
Marivaux est féministe avant l’heure et souhaite voir les femmes s’émanciper de la tutelle masculine, père, frère et mari. Le propos n’est pas si éloigné de notre époque, car faire exister son désir, pouvoir tout détruire pour lui, reste un combat éternel.

Pour le metteur en scène, le jeu de rôle tourne au jeu de massacre amoureux, chacun se trouvant en face de sa chacune sans le savoir : « Si cette pièce nous joue la comédie, c’est toujours au prix de la souffrance des quatre personnages principaux. Ils se débattent dans un monde où leurs propres sentiments leur échappent peu à peu. » Philippe Calvario signe une mise en scène furieusement décalée, joue avec les époques, instille les airs les plus torrides de Gainsbourg et des chorégraphies entre les actes, il casse les codes et ajoute de l’audace à un propos qui n’en manque déjà pas !

LA PRESSE EN PARLE

TT  – ON AIME BEAUCOUP
« Une réussite due aussi à Philippe Calvario, dont la mise en scène pleine de fantaisie donne un réel coup de jeune au texte de Marivaux. Sans le dénaturer. Sans le trahir. »
Michèle Bourcet – Télérama

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UNE LANGUE ÉTINCELANTE
« Un bonheur de langue étincelante, de faux semblants, de situations qui se moirent de mille et une nuances et une jolie troupe pour la jouer sous la très grande direction de Philippe Calvario. »
Armelle Helliot – Figaroscope

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MARIVAUX DANS SA VÉRITÉ
« L’intelligence faite théâtre. C’est cela qu’on a aimé dans la mis en scène de Philippe Calvario. Il casse les codes, il libère Marivaux des corsets dans lesquels on l’enserre trop volontiers, il le restitue dans sa vérité (…) la sincérité est là. La pièce dans ce qu’elle a de grave résiste, notamment grâce à une interprétation de qualité (une très sensible Marie Pierre Nouveau). C’est un spectacle très rafraîchissant, spirituel et vivant. »
Philippe Tesson, Le Figaro

Un orgue Farfisa, un piano Rhodes, un acteur, une cabane, des joncs, une chaise, la lune, des bouts de film, les mots d’un poète.
Chaque spectacle est un pari !
Celui que sur scène quelque chose va venir, quelque chose va s’adresser à nous et en nous à ce que nous avons de plus précieux.
Ici, ce quelque chose, ce seront les mots de John Keats.
John Keats – fils du propriétaire d’une écurie de louage, convaincu que l’humanité plutôt qu’une « lande rase » pouvait devenir « une splendide démocratie d’arbres forestiers », mort à 26 ans, devenu en moins de cinq ans un des plus grands poètes romantiques.
Durant 1h20, nous allons devenir les destinataires de ses lettres et de ses poèmes, destinataires de sa fougue, de sa jeunesse, de sa droiture, de sa profondeur, de sa fantaisie.

« Hâtez-vous lentement, et sans perdre courage,
Vingt fois sur le métier remettez votre ouvrage,
Polissez-le sans cesse, et le repolissez,
Ajoutez quelquefois, et souvent effacez. »

J’emprunte à Nicolas Boileau cette strophe, tant elle paraît répondre à ma volonté de re-créer Juste la fin du monde.
Car il s’agit bien ici de « refaire » et non de reprendre, pour citer Peter Brook.
Depuis ma première mise en scène de ce texte, voilà déjà douze ans, j’ai exploré la totalité de l’œuvre de Lagarce. C’est en partie mon interprétation de Du luxe et de l’impuissance sous la direction d’Ivan Morane en 2014, qui m’a donné l’envie de refaire ce spectacle, m’en donnant une lecture nouvelle. Comme une nécessité.
Évidemment, le temps aussi m’a donné de nouvelles armes pour aborder un spectacle, sa forme et ses enjeux.
À l’origine, c’est l’écriture de Lagarce qui m’a tout d’abord captivé et fait découvrir son œuvre récente, mais déjà classique; cette nécessité et cette précision du langage pour mieux se connaître soi et les autres. Une écriture dans un entonnoir, des mots dans un alambic; une parole «en marche», qui bute, trébuche, s’accélère, ralentit, mais avance avec opiniâtreté dans le seul souci de dire, de résoudre, de remettre l’homme dans la cité.
2005/2017 : que c’est-il passé ? L’histoire nous apprend que le temps tente de nous apporter la paix et le progrès, tant industriel que social. Ces récentes dernières années et celles qui se dessinent clairement, semblent bien vouloir écrire une toute autre histoire du monde…
Juste la fin du monde, comme une expression de l’impossible: «Si je fais ça, ce sera la fin du monde!»?
Un homme «jeune encore», à la porte de sa propre disparition, la fin de son monde, son univers, son environnement, sa famille, ses communautés… tout cela à la fois! Le prisme familial de cette pièce est le reflet de nos sociétés, avec ses intolérances, ses replis, ses conflits, ses désirs, ses doutes, ses pulsions destructrices ou merveilleuses, dans un incessant aller-retour émotionnel.
À notre époque où domine le renoncement à l’autre, regarder autour de soi, rester éveillé, vigilant, dans une saine colère, c’est ce que nous dit Juste la fin du monde et au sens plus large, l’œuvre de Jean-Luc Lagarce et qu’il faut mettre en évidence ici.
Enfin, toute l’action de Juste la fin du monde est menée par l’unique volonté et le seul point de vue d’une personne: Louis. Sommes-nous dans la réminiscence, dans l’espoir, l’envie ou le fantasme de son retour? Il y a ici, une vision quasi cinématographique (une proposition d’angle de caméra, de montage) qui continue à m’interroger et me fasciner; c’est aussi à cet endroit que se trouve tout l’enjeu de notre travail, en s’appropriant la construction et la rythmique de l’écriture, sans la rendre formelle.
Et toujours «faire spectacle» de tout cela, sans lamentations, sans ennui.

La presse en parle

« Aussi cruel que brillant. »
L’humanité

« Une mise en scène taillée au cordeau. »
Marianne

« Une vision vertigineuse. »
Le Monde

« Universel et mordant. »
Le JDD

« Des acteurs bouleversants. »
Télérama

« Excellents ! »
Le figaro

Chez Jean-Luc Lagarce, tout est théâtre.
Son œuvre théâtrale, bien sûr ; mais pas seulement.
Ses récits également ; cela a été largement prouvé.
Mais aussi son journal.
Et cela me paraît évident encore d’avantage avec Du luxe et de l’impuissance, le recueil de ses éditoriaux.
Tout y est théâtre, parce que rien n’y est théâtral.
La Vie est là, à chaque mot, entre chaque mot. Évidente, simple, bouleversante, elle est là, à en pleurer, à en rire aussi.
La Vie ; et la Mort aussi.
Cette succession d’articles est un seul récit; qui a son unité de temps, de lieu et d’action.
Le personnage est chez lui (ou dans sa loge); il va sortir (ou entrer en scène); pour toujours (il se rend à l’hôpital où il sait qu’il va mourir) ; il doit se préparer à sa mort, choisir ce qu’il va emporter.
Aucun accessoire réaliste, ou le minimum; l’acteur et les mots les font exister.
La présence de l’acteur dans un grand espace presque vide et les mots de Lagarce, et toutes les pensées, les émotions non dites, et qui, je le souhaite, seront entendues, comme l’infini- ment grand et l’infiniment petit qui affleurent entre les mots du dernier texte du recueil, définition admirable du comédien, et de l’humain, ce qui chez Lagarce revient au même.
Crée en juillet 2014 au Théâtre des Halles (dir. Alain Timar). Nous ne «reprenons» pas ce spectacle, mais, comme le dit Peter Brook, nous le « refaisons », riches tous deux de nos ressentis depuis le plateau et depuis la salle.
Le cadre et le dessin sont les mêmes, mais nos doigts sur la toile ferons encore plus ressortir les détails, creusant, lissant, écrêtant…

Ivan Morane

La presse en parle

« La métaphore fait mouche, et la mise en scène laisse des images marquantes. »
Vaucluse Matin

« Signé Daniel Violette, Le temps des Ogres est un spectacle rare, pédagogique et d’une grande intelligence. Voilà un spectacle important sur le propos et exemplaire sur la forme déployée ici pour dénoncer en réalité toutes les dictatures. »
La Provence

« Le temps des Ogres mérite le détour. Il met en exergue de manière plutôt ludique et inventive les tensions des dictatures. Peuple opprimé, dirigeants ambitieux et quasi schizophrènes, armée lobotomisée et clown réfractaire. La compagnie Taïko nous entraîne dans une fresque décalée de ce régime politique pour mieux le dépeindre. »
Rue du Théâtre

« Meurtre, trahison et coup d’état glissent gracieusement au milieu des voix… mais même à la fin vous restez figé sur ce siège lorsque tout signe de vie quitte la scène. »
Le bruit du off Avignon

Monsieur Shimura, célibataire et méticuleux, habitant Nagasaki est convaincu qu’on vient lui chaparder des aliments dans son frigo pendant son absence. Il installe alors discrètement une webcam afin de surveiller sa cuisine depuis son lieu de travail. C’est ainsi qu’il découvre étonné qu’une femme inconnue se fait tranquillement un thé. Il appelle la police, mais se repend aussitôt. Trop tard. Elle sera arrêtée et jugée. Shimura apprendra qu’elle vivait chez lui dans un placard à futons à son insu depuis plus d’un an. Cette découverte bouleversera sa vie. Qui est-elle ? Pourquoi s’est-elle installée ici ? A sa sortie de prison, elle lui écrira une lettre où elle expliquera qu’elle ne s’est pas réfugiée chez lui par hasard…

Le récit de Mr Shimura et de cette femme énigmatique, c’est celle de deux êtres solitaires qui auraient pu se rencontrer, s’aimer et vivre une histoire commune. Mais comme deux planètes en orbite, ils étaient à la fois liés l’un à l’autre et condamnés à l’éloignement …

Écrit d’après un fait divers japonais, Éric Faye a obtenu en 2010 le grand prix de l’Académie Française pour son roman Nagasaki.

De sa captivité en 1945 en Allemagne, Robert Antelme a tiré un récit exceptionnel où il porte à sa dernière limite, la réflexion sur la volonté exterminatrice des SS : il met en lumière la logique de supériorité et le mépris sur lesquels se fondent, plus ou moins ouvertement, tous les systèmes d’exploitation et d’asservissement.

L’Espèce humaine est une œuvre unique, bouleversante, d’une élévation de pensée absolue et d’une actualité redoutable.

« L’Espèce humaine était le premier, je dirai même le seul, livre qui fût au niveau de l’humanité ; au niveau de l’expérience nue, vécue et exprimée avec les mots les plus simples et les plus adéquats qui soient. De ce fait-là, ce livre qui dans un sens était de l’anti-littérature, à juste titre parce qu’il ne voulait pas faire de la littérature sur la concentration, était un livre de pure littérature, c’est-à-dire qu’on ne pouvait plus rien écrire d’autre. » Edgar Morin

« L’Espèce humaine est un monument. 
Un de ces livres qui peut changer une vie. Il a changé la mienne. Miracle de la littérature, miracle de la conscience dans le temps.
Aujourd’hui, j’aimerais faire entendre cette parole vivante en lui donnant corps, le plus simplement du monde. »
Anne Coutureau

« Nous sommes en guerre. »
Notre projet pour le Stabat Mater Furiosa s’inscrit dans cette affirmation martelée le 17 mars 2020 sur toutes les ondes, alors que le virus Covid-19 s’étend sur le territoire français. Il naît de cet impératif de réponses individuelles et collectives, de questionnements des discours contradictoires. Nous cherchons à sortir mentalement de nos isolements et nous questionnons l’avenir de notre génération et celles à venir. La parole des poètes, dramaturges et créateurs nous aident à mieux appréhender le monde dans lequel nous vivons et nous offre des possibles porteurs d’une humanité apaisée. L’actualité n’a de cesse de nous confronter à des drames plus inquiétants les uns que les autres et la réflexion de penseurs/poètes nous offre des champs de réflexion, de remise en question de notre existence, d’avenir plus empathique.

Le Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon, écrit en 1997, présente la G/guerre. Son universalité et son immuabilité. La liste de toutes les guerres depuis lors, de tous les conflits, ne sera jamais à jour. Ce texte est donc, en soi, intemporel. Intemporel car
la violence ne cesse jamais, car l’histoire ne cesse de se répéter et que l’on n’entretiendra jamais trop la mémoire, mais aussi, car face au registre belliqueux, c’est surtout d’une résistance inaudible dont il est question.

C’est pourquoi, face à la surdité du discours martial de nos sociétés, nous avons eu besoin de monter une nouvelle fois ce texte. De le faire résonner encore et encore pour qu’il soit porté à l’entendement du plus grand nombre. Et pour lui donner une juste occasion d’être « entendu », nous le jouerons également en Langue des Signes Française. Cette langue visuelle, dont la mise en œuvre des mots souligne et accentue le ton du texte, saisit l’ensemble de l’auditoire. Nous créerons un spectacle permettant de construire des ponts entre la culture des sourds et celle des entendants. De se connaître. De se reconnaître. D’égal à égal. Contrairement au « Cri » de Munch, personnage isolé, ce vocabulaire signé donne force aux mots et maux du texte de Jean-Pierre Siméon.

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Extrait Interview – La terrasse

« Le monde étant sourd à la nécessité d’une pacification, il m’est apparu évident de travailler avec la langue des signes »
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Des larmes d’eau douce est une pièce mexicaine tout public de Jaime Chabaud, auteur chroniqueur et poète saisissant à l’œuvre dramatique multiprimée.
Traduit de l’espagnol par Françoise Thanas, publiée en 2017, cette pièce sera mise en scène pour la première fois, en Europe et donc en France.

Une enfant, Sofia, pleure des larmes d’eau douce dans un pays en sécheresse. Elle sauvera un temps, grâce à ce don insoupçonné, son village de la sécheresse, avant que les notables du village ne comprennent l’intérêt financier de ses pleurs… même au final le père…

LA GRAND-MÈRE.- (…) Felipe cria de toutes ses forces. Il leur dit : « Un enfant n’est la propriété de personne. Laissez-la partir. »
À ce moment précis, devant tout le village réuni, Sofia s’est fanée, fanée… jusqu’à devenir une poignée de feuilles sèches.

C’est à partir de cette métamorphose finale, tragique et  magique de Sofia qu’est né ce désir impalpable de créer un univers ayant pour source la nature, comme « une mémoire végétale » qui n’oublie pas et qui perdure.
C’est dans un cercle de lin, au cœur d’un tapis de feuilles et de branchages que se passe l’histoire et que nous transmet par-delà le temps, le personnage de la Grand-mère.

Elle convoque, entre ciel et terre, liées par un fil blanc à la voûte du manège, les figures marionnettiques de Sofia, Felipe, du maire, du curé, de José, des bigotes.
Tantôt, celles-ci descendent et prennent part à la fable, tantôt disparaissent, tantôt sortent de l’ombre ou de la toile.
Battre le cœur à trois, effacer les frontières, dire l’indicible.

Aussi, cette fable poétique et cruelle raconte les violences faites aux enfants, dérives familiales, sociales, sociétales, et soulève des questions liées à l’écologie et à la crise climatique.
Entre temps présent et flash-back / narration et dialogue / pour personnage et marionnettes / croisant avec onirisme théâtre, marionnettes, ombres, musique.
Scénographie marionnettique et végétale, kiosque circulaire en fer serti et attelé de fils blancs où sont suspendu.e.s marionnettes, végétaux et éléments de jeu, toiles mobiles.Ainsi nait finement en lumière chacun des espaces racontant les différents lieux de la fable. Les costumes tissés, peints sont eux aussi d’inspiration végétale.
La musique, essentielle, empreint de sons naturels et électro-acoustiques, entre clavier, MAO et guitare électrique.
Carrousel musical où s’embarquent autour de Sofia toute une saga de personnages.

Une équipe de création scénographie, composition musicale, lumière, costumes, construction des marionnettes, collaboratrices/eurs remarquable et engagée au service d’une dramaturgie commune, celle d’une nature qui pousse la fable par tous les bouts.
Trois protagonistes au plateau : Sylvia Amato, comédienne, Thierry Desvignes, l’un des constructeurs et marionnettiste, Guillaume Jullien, compositeur et musicien « live ». Tous trois portent ce conte moderne, non sans humour et beauté et conjuguent parole poétique, parole politique, parole de cœur.